DOZENT:INNEN

Unter seiner künstlerischen Verantwortung entstehen Arbeiten, die auf Festivals überzeugen und Studierende für die Profession trainieren. Seine Lehren fokussieren Wahrhaftigkeit sensorischer Verwirklichung und handwerkliche Disziplin für Bühne & Film.

„Ich unterrichte die alltägliche Umwelt als ideale detaierte Grundlage der fiktiven Geschichten, die wir Schauspieler erzählen.“

Aus Mumbai stammend, ausgebildet u. a. in der Terence Lewis Contemporary Dance Company; Training bei der Kibbutz Contemporary Dance Company (Israel), Tänzer bei Fresco Dance (Tel Aviv) und Assistant Choreographer für Disney Indias „Aladdin“. Am Artrium schärft er Technik und Improvisationskompetenz gleichermaßen – mit dem Ziel, ein eigenes, klar artikuliertes Bewegungsvokabular zu entwickeln, das auf Bühne und vor der Kamera funktioniert.

„Improvisation lehrt den Körper spontan zu verwirklichen und für ein Publikum erlebbar zu machen.“

Am Artrium schärft er Technik und Improvisationskompetenz gleichermaßen – mit dem Ziel, ein eigenes, klar artikuliertes Bewegungsvokabular zu entwickeln, das auf Bühne und vor der Kamera funktioniert.

„Improvisation lehrt den Körper spontan zu verwirklichen und für ein Publikum erlebbar zu machen.“

Im Physical Theatre bündelt sie Einflüsse aus Antike, Pantomime, Akrobatik und modernem Tanz. Im Zentrum steht der erzählende Körper: Mutig, Enthemmt, Präzise. Ziel ist die Entwicklung von Instrument, das Raum und Stimme in resonanter Schwingung erlebt.

„Ein Profi braucht einen expressiven, enthemmten Körper, der Geschichten erzählen kann.“

Seine Arbeit vereint Stimmtechnik (u. a. nach Hey/Linklater) mit körperlicher Resilienz – für Repertoires mit hoher Vorstellungsdichte. Der Fokus liegt auf Resonanz, Textklarheit und der Fähigkeit, die Stimme in ihren Kontexten erlebbar zu machen.

„Die Stimme darstellender Profis, ist Einladung an das Publikum in die Welt eines Stücks.“

Projekte wie „Touching 1“ und literarische Arbeiten öffnen interdisziplinäre Räume; Studierende lernen, Bewegungen vom Entstehen über den Verlauf bis zum Vergehen bewusst zu begleiten.

„Eine Bewegung lebt – wir begleiten ihren Atem, bis sie spricht.“

 Pilates und choreographische Prinzipien greifen ineinander, damit Schauspieler:innen den Körper als architektonisches Instrument bewusst führen können.

„Tanz ist Architektur des Körpers im choreographischen Raum.“

Studierende erarbeiten physische Präsenz, die Erzählung trägt – ohne die Sicherheit von sich selbst und anderen in Kampfsportszenen zu gefährden.

„Körperliche Präsenz ist so wichtig wie Text und Stimme.“

 Im Artrium führt er durch Kameraarbeit, Schnittdramaturgie und Postproduktion – mit dem Ziel marktfähiger Showreels, festivalwürdiger Kurzfilme und konkurrenzfähiger Spielfilme die künstlerisches Profil und Casting-Tauglichkeit verbinden.

„Film ist die Kunst, Zeit in Blickwinkel zu komponieren.“

Als Dozentin vermittelt sie Rhythmus als dramaturgisches Fundament: Puls, Phrasierung, Stille. Pause. Schauspieler:innen lernen, Szenen musikalisch zu empfinden. Dafür vernetzt sich auch das Gehirn in fortgeschrittene Vernetzung: Timing, Präsenz, Ensemble, Eins!

„Rhythmus ist das Herz einer jeden künstlerischen Bewegung.“

 In seiner Lehre führt er vom tastenden Beginn der Probe zur klaren Setzung der Rolle: Analyse, Partnerarbeit, szenische Ökonomie – und der Mut, die Schlüsselmomente einer Geschichte zu finden.

„Jede Probe ist eine Entdeckungsreise zu den Schlüsselmomenten einer Geschichte.“

Ziel ist, dass Absolvent:innen fundierte Entscheidungen treffen – und ihre Laufbahn unternehmerisch klug gestalten.

„Künstler:innen brauchen nicht nur Talent, sondern auch ein stabiles Fundament.“

Am Artrium verbindet er Atem, Artikulation und Körperarbeit zu einer belastbaren, klangreichen Sprechstimme für Bühne und Film in bestechender Artikulation.

„Stimme, Atem, Körper und Geist sind untrennbar detaiert verbunden.“

Sein Unterricht sucht Wahrhaftigkeit im Moment – die Verbindung aus Impuls, Text und Handlung. Studierende trainieren Präzision ohne Härte, Präsenz ohne Pathos – und Verantwortung für das erzählte Bild.

„Wahrhaftigkeit auf der Bühne entsteht aus dynamisierter Genauigkeit im Wandel.“

Ihre Arbeit formt klare dramaturgische Linien ohne Pathos – mit Raum für Ambivalenz und Dialog. Studierende lernen, politische und persönliche Fragen in formbewusste Szenen zu übersetzen.

„Theater muss Haltung zeigen – ohne Pathos, mit Klarheit.“

 Ergebnis sind professionelle Fotos, Showreels und Profile, die künstlerische Signatur und Marktanforderung zusammenbringen – vom ersten Eindruck bis zur nachhaltigen Sichtbarkeit.

„Erleben, um erlebbar zu machen.“

Sein Unterricht ist interdisziplinär: Sprache, Körper, Rhythmus. Ziel ist eine wandelbare Bühnen- und Kamera-Persönlichkeit, die musikalisch denkt und körperlich präzise arbeitet für vitalisierte und abenteuerliche Prozesse für ein Publikum.

„Vielseitigkeit ist Freiheit des Ausdrucks und Verantwortung für deren Form.“